A noção de que algumas pessoas simplesmente nascem artísticas — e de que existe um perfil que pode ajudar as organizações a identificá-las — está firmemente arraigada. Toda a conversa sobre determinação genética hoje em dia, sem dúvida, tem muito a ver com isso. Mas a ideia de que a criatividade é um traço de personalidade predeterminado provavelmente atrai em um nível psicológico porque dá às pessoas uma desculpa para não inovar ou iniciar mudanças, reduzindo o problema da criatividade a um desafio de recrutamento. Significativamente, as pessoas menos propensas a acreditar na ideia de que a criatividade é predeterminada são os próprios gênios criativos. A coreógrafa Twyla Tharp, por exemplo, não concorda com nenhuma noção de arte fácil. Como alguém que mudou a cara da dança, ela certamente está qualificada para ter uma opinião. Vencedora de uma bolsa MacArthur (popularmente chamada de “bolsa genial”), dois prêmios Emmy e um prêmio Tony, ela escreveu e dirigiu programas de televisão, criou produções da Broadway e coreografou danças para filmes Cabelo, Ragtime, e Amadeus. Tharp, agora com 66 anos, fez tudo isso enquanto criava mais de 130 danças — muitas das quais se tornaram clássicas — para sua própria companhia, o Joffrey Ballet, o New York City Ballet, o Paris Opera Ballet, o London Royal Ballet e o American Ballet Theatre. Autora de dois livros, ela está agora desenvolvendo simultaneamente novos balés para o Miami City Ballet, o American Ballet Theatre e o Pacific Northwest Ballet. Em sua casa em Manhattan, Tharp se reuniu com a editora sênior da HBR, Diane Coutu, para discutir o que é preciso para ser coreógrafa. Nessas páginas, ela compartilha o que aprendeu sobre estimular a criatividade, iniciar mudanças e demitir até mesmo profissionais de alto nível quando chega a hora. Em seu jeito de não sofrer tolos, ela fala sobre sua “absorção monomaníaca” com seu trabalho e a necessidade de ser dura, até mesmo implacável, quando esse trabalho está em jogo. O que segue é uma versão editada da conversa. Em seu livro O hábito criativo, você fala da criatividade como um empreendimento muito pragmático, quase profissional. Acho que “hábito” faz com que pareça um pouco chato. O que eu realmente estou falando no livro é o prazer da criatividade, que é algo que todos podem ter. Não acredito nessa ideia romântica do artista sofredor; não acredito em sofrer nada. Acho que todo mundo pode ser criativo, mas você precisa se preparar para isso com rotina. Não há outra maneira de contornar isso. É um erro absoluto pensar que a arte não é prática ou que os negócios não podem ser criativos. Os melhores artistas são extraordinariamente práticos. Os pintores mais criativos que conheço misturam sua própria tinta, moem e colocam o fixador. Eles fazem uso de tudo o que têm à sua disposição. No meu próprio trabalho, tudo é matéria-prima. Mas sem uma preparação adequada — hábito, se preferir — eu não conseguia ver essa matéria-prima nem saber como usá-la. Obviamente, as pessoas nascem com talentos específicos. Na dança, você vê que alguns são mais bem coordenados do que outros. Eu não trabalhei com crianças, mas acho que mesmo nos movimentos dos bebês você pode ver que algumas crianças se sentem mais confortáveis com os membros do que outras. Isso não é ensinado; isso é algo genético. Mas não gosto de usar a genética como desculpa: “Não posso fazer isso porque não tenho esse dom genético específico”. Supere a si mesmo. A melhor criatividade é o resultado do hábito e do trabalho árduo. E sorte, é claro. Acho que todos concordamos que a sorte do sorteio governa todos os dias. Mozart era filho de seu pai. Leopold Mozart era um homem sofisticado e de pensamento amplo, famoso em toda a Europa como compositor e professor. A primeira boa sorte de Mozart foi ter um pai assim. Você aconselha as pessoas que querem ser criativas a se ocuparem de copiar. Devemos nos preocupar com a falta de originalidade? Claro que não. O que estou tentando dizer às pessoas é que elas não devem se deixar levar pelas coisas boas que outras pessoas fizeram. Brahms é o exemplo clássico aqui. Ele era um músico perfeito e, por respeitar tanto os grandes compositores e, em particular, Beethoven, não conseguiu lançar sua primeira sinfonia até os quarenta e poucos anos. Que perda de tempo foi isso, que desperdício. E tudo porque Brahms estava totalmente intimidado. E você sabe o que? Há uma espécie de arrogância nessa intimidação. Achamos que isso tem a ver com modéstia. Pelo contrário, tem a ver com Brahms dizendo: “Caramba, minha primeira sinfonia não vai ser melhor do que a Nona de Beethoven”. E me desculpe, provavelmente não vai ser, então por que você não faz isso e continua com as coisas? Pessoalmente, não me preocupo nem um pouco com a originalidade. Alguém já fez o que eu fiz antes? Sim, provavelmente. Mas não vou me preocupar com isso; vou usá-lo e continuar com ele. Pessoalmente, não me preocupo nem um pouco com a originalidade. Alguém já fez o que eu fiz antes? Sim, provavelmente. O verdadeiro aprendizado não é copiar. Essa é a palavra errada. Copiar é pegar as soluções de outra pessoa. Aprender é resolver os problemas de outra pessoa. Embora Braque e Picasso, em um determinado momento, estivessem fazendo telas muito, muito próximas umas das outras, eles eram artistas totalmente diferentes, com valores e filosofias e origens totalmente diferentes e todo o resto. Trabalhar com o mesmo problema não interferiu de forma alguma em seu aprendizado nem contribuiu para qualquer falta de originalidade. Você prospera com a mudança. Você sempre acompanha uma peça de dança lançando a próxima, tanto quanto possível, na direção oposta. Essa foi uma estratégia minha, uma forma de me manter pulando e não ficar preso. Não estou interessado em repetir minha experiência, seja ela bem-sucedida ou não. Você não pode se permitir se sentir confortável com o que está confortável, porque então isso é tudo que você vai querer fazer. Agora estou tentando algo diferente e trabalhando em três novas peças simultaneamente, o que é um tour de force e um novo tipo de desafio que estabeleci para mim mesmo. Se eu não me sentisse confortável em mudar a forma como trabalho, esses balés nunca seriam feitos. A mudança impulsiona meu trabalho e é tão importante para o processo criativo quanto o hábito. Talvez eu tenha mais facilidade em aceitar mudanças do que alguns empresários, porque o corpo está mudando constantemente e, portanto, o que eu posso fazer está mudando constantemente. Não posso pedir a uma dançarina que faça exatamente o que ela fez ontem, muito menos daqui a seis meses. Vai ser diferente. Mas mesmo de outras formas, tenho todos os tipos de hábitos para promover mudanças. Quando procuro uma palavra no dicionário, por exemplo, leio a palavra antes e a palavra depois dela — você nunca sabe de onde virá a próxima boa ideia. Eu também leio um pouco transacionalmente. Eu não lia Tolstoi há muito tempo, então recentemente aprendi Guerra e paz. Mas por que você acha que estou lendo Tolstoi? Você acha que eu estou lendo isso só para me divertir? Não, o cara era um ótimo escritor, e eu tenho outro livro que eu quero escrever. Eu não sou escritor, então eu faço o que posso para me educar. A mudança fundamental é um esforço, é uma empresa real, não é algo que simplesmente acontece. Você faz a escolha de continuar evoluindo e crescendo. Atualmente, a literatura empresarial fala muito sobre a necessidade de falhar na busca pela excelência. Você aceita isso? Claro que eu tenho. Cedo ou tarde, toda mudança real envolve fracasso, mas não no sentido de que muitas pessoas entendem o fracasso. Se você fizer apenas o que sabe e o fizer muito, muito bem, é provável que não falhe. Você simplesmente estagnará e seu trabalho ficará cada vez menos interessante, e isso é fracasso por erosão. O verdadeiro fracasso é uma marca de realização no sentido de que algo novo e diferente foi tentado. Idealmente, a melhor maneira de falhar é em privado. No meu escritório, a proporção entre fracasso e sucesso nas danças que eu crio é provavelmente algo como seis para um. Eu crio cerca de seis vezes mais material para minhas danças do que acabo usando na peça final. Mas eu preciso desse material não utilizado para obter meu único sucesso. Às vezes também falhei em público, e isso é muito doloroso. Mas falhar, mesmo dessa forma, não é inútil. Isso pode forçá-lo a se recompor e produzir algo novo. No Cenáculo nunca teria acontecido sem Cantando na chuva, que teve menos sucesso com a crítica. Deixe a história me julgar em 50 anos, mas eu acho No Cenáculo é uma peça muito importante. Ao longo dos anos, muitas vezes você teve que demitir dançarinos porque não podia pagar por eles ou simplesmente porque um dançarino estava errado para o papel. Como você conseguiu isso? Isso me deu muita dor, como tenho certeza que causa a todo mundo. Meus dançarinos eram todos completamente apaixonados e comprometidos, mas eu dizia: “Olha, aqui está o porquê de você ter que ir.” E seria devastador para eles. Mas pessoas muito inteligentes entendem que devem ter uma visão muito maior do que apenas seus próprios interesses. Talvez eu seja incomum por trabalhar com pessoas extraordinárias: quando eu tinha minha companhia, às vezes entrevistava 900 dançarinos para contratar quatro. Eu odeio dizer isso, mas desejo a perfeição absoluta; sou muito exigente e nunca me comprometo até que seja absolutamente necessário. Veja, quando seu trabalho está em jogo, você tem que estar disposto a virar tudo de cabeça para baixo. Você não tem escolha. É uma analogia terrível, mas quando se trata de seu trabalho, você tem uma guerra a vencer. Homens vão morrer. Não tenho regras rígidas para outras pessoas, mas é isso que eu faço. Meu desafio para mim mesma foi ver o quanto eu posso realizar em termos de construir e mudar o que é considerado dança em nosso tempo. Se esse é o meu mandato, farei tudo o que puder para cumpri-lo. É uma analogia terrível, mas quando se trata de seu trabalho, você tem uma guerra a vencer. Homens vão morrer. Vamos falar sobre mentoria. Você conheceu o falecido George Balanchine, diretor artístico do New York City Ballet, apenas três vezes, mas ele foi seu “mentor invisível” por 20 anos. Sim, eu o admirava há muito tempo porque suas danças mostravam uma boa compreensão da lógica. Mas Balanchine não estava realmente disponível para mim. Ele não dava aulas abertas, então eu não podia seguir esse caminho. Ainda assim, reconheci que ele era a pessoa que mais sabia sobre o que estava fazendo, tanto estrutural quanto musicalmente. Então, tentei aprender o máximo que pude com ele. Eu o estacionei mentalmente no canto do meu estúdio, e a insistência na meticulosidade que vi nele se tornou meu padrão. Tive a sorte de perceber desde cedo que é melhor escolher seus próprios mentores do que fazer com que eles escolham você. Ainda hoje, quando alguém me pergunta como encontrar um mentor, eu digo: “Basta ir à Barnes & Noble e pegar um livro da prateleira — escolher um escritor, escolher um pensador. Escolha alguém que possa lhe ensinar algo, não alguém que vai se sentar e fofocar com você. Não há nada de complicado nisso: você quer que alguém segure sua mão ou quer aprender alguma coisa? Se você quiser aprender, vá em frente — fim da história.” Você disse repetidamente que todo ato de criação é um ato de violência e destruição e que uma das condições mais valiosas do artista é “ficar chateado”. Não é a raiva em si que é valiosa; é a energia que pode vir dela. As pessoas confundem os dois. Não estou falando de raiva quando digo que você deveria fazer birra em si mesmo para se mover. Quero dizer, algo parecido com o que você vê no treinamento com pesos, quando você tem um cara levantando um peso morto de 550 libras do chão e ele tem uma cápsula de amônia quebrada debaixo do nariz logo antes de levantar o peso. Então, há uma correria que percorre o corpo e faz com que ele realize essa façanha incrível. Isso é raiva? Essa não é a palavra certa para descrevê-lo. Isso vem da raiva? Sim, mas eu prefiro pensar nisso como amônia. Você acha que teve que pagar um preço por seu compromisso com sua arte? No final, todo mundo paga um preço por qualquer escolha que ele ou ela faça. Eu trabalho o tempo todo; isso é o que eu faço. Eu não comemoro meus sucessos; eu ensaio. Faz muito tempo que não tiro férias. Eu me envolvo em muito poucos relacionamentos interpessoais, exceto aqueles com os quais posso aprender. Um conceito meu favorito atualmente é o de entusiasta. Entusiastas são pessoas com quem posso me conectar imediatamente e em quem posso confiar, porque são pessoas sem limitações de energia, otimismo e crença de que as coisas estão cheias de possibilidades. Acho que as pessoas que alcançaram o domínio em suas áreas são otimistas e entusiastas, e eu posso me comunicar com essas pessoas. Há talvez 10 pessoas — e eu não as chamaria de amigas mais próximas — a quem eu possa enfrentar um problema real sem me envergonhar. Dez é um grande número. Eu posso me envolver em momentos sociáveis com essas pessoas, mas, em última análise, sei que tenho que recorrer ao meu próprio julgamento. Se Steve Jobs viesse ver você, que conselho você daria? “Vá para o convés — vamos fazer 30 flexões.” Essa é a primeira coisa que eu diria a qualquer empresário: mexa-se. Porque uma das coisas que acho que tenho a oferecer às pessoas é o conhecimento de que usar seu corpo faz seu cérebro funcionar melhor. O movimento estimula nosso cérebro de maneiras que não apreciamos — um fato sobre o qual estamos aprendendo cada vez mais com os neurocientistas. Então, começaríamos com nossas flexões; não há desculpa para não ficar em forma. Talvez eu leve tapas por isso, mas também aconselharia os líderes empresariais a viajarem menos. Não sei como eles viajam da maneira que viajam e espero continuar em forma. O ano em que eu estava fazendo Amadeus, viajei ao redor do mundo cinco vezes. O que eu aprendi é: não faça isso. É quase impossível manter suas rotinas, manter sua dieta, dormir, encontrar tempo para se exercitar. Sofro muito quando viajo e, por isso, viajo cada vez menos. Então eu diria ao Sr. Jobs: “Vamos dançar!”
